La más reciente película de Ang Lee narra la curiosa e inédita historia del naufragio de dos sobrevivientes en el mar Pacífico: Pi, un indio devoto, y Richard Parker, un tigre de bengala. La inverosímil situación puede tomar cuerpo gracias a dos interpretaciones sobre el film que aparecen en la película, una más explícita que la otra. La primera tiene que ver con una interpretación divina, la situación y la convivencia entre dos seres que no podrían estar juntos en un barco, se convierte, según el personaje, en una demostración de la existencia de Dios. La segunda tendría un fundamento en la psicología: la historia del encuentro del tigre serviría al superviviente para olvidar momentos traumáticos dentro del barco.
Ambas interpretaciones tienen que ver con ámbitos que sobrepasan la realidad material y visible, que, según Kracauer, es la única que podría mostrar el cine. Si bien la modernidad cinematográfica ha desmentido en parte la tajante posición del crítico alemán, es cierto que para mostrar realidades que vayan más allá de lo visible (lo metafísico) es necesario, de todas formas, que éstas se fundamenten o se expresen en lo material. Hay buenos ejemplos de películas altamente espirituales que siguen este principio, como De hombres y dioses (Xavier Beauvois, 2010) o Habemus Papam (Nanni Moretti, 2011). Las dos películas juegan mucho con el silencio y los vacíos, dejando de lado lo excesivamente hablado, para representar cierta idea de espiritualidad, demostrando que el vacío y la plenitud total son opuestos complementarios.
A diferencia de lo que sucede en los filmes nombrados, el de Ang Lee no muestra el nivel de espiritualidad (o locura, desde el punto de vista que se quiera ver) al que llega Pi, sino, más bien, decide hablarnos de ella. Así pues, en la película no hay sustento visual que dé un contenido real a la narración del personaje. Y esto sucede por un cierto barroquismo (miedo al vacío) que no parece partir sólo del director, sino más bien de los modos de producción de la película. (Sebastián Morales Escoffier)
Películas en pocas palabras
Hemingway & Gellhorn (cine de EEUU)
Fue durante la pasada edición del Festival de Cannes que se estrenó esta película, una producción para televisión de HBO, protagonizada por Nicole Kidman y Clive Owen. Dirigido por Philip Kaufman —quien tiene en su haber la adaptación cinematográfica de la obra cumbre de Milan Kundera, La insoportable levedad del ser— este film se narra desde la memoria de Martha Gellhorn, novelista, corresponsal de guerra y esposa de Hemingway, quien accede a una entrevista para televisión: a fuerza de flashbacks se reconstruyen épocas y personajes. Sin duda, abordar uno de los más grandes romances de la historia del periodismo y la literatura del pasado siglo, además de ubicar los hechos durante la Guerra Civil Española, es una tarea compleja. Un amor violento y apasionado que devela las personalidades de sus protagonistas sin buscar la redención de ninguno de ellos, más bien trazando debilidades e incluso sobredimensionando características reconocidas de ambos, incluso llegando a la caricatura. Cine para la pantalla chica. (Claudio Sánchez)
Tres de corazones (cine latinoamericano)
Nicolás Cabré es uno de los actores argentinos más representativos de la nueva generación. Nacido bajo la bandera de las series de televisión local, forjado en el teatro y protagonista de algunas cintas menores en el cine argentino, este talentoso actor protagoniza Tres de corazones (2007), la última película del director Sergio Renán, quien en 1974 llevó a la pantalla grande la obra de Mario Benedetti, La tregua (primera película argentina nominada a los Premios Oscar). En el drama que encara Renán, con Cabré a la cabeza del elenco y en el que China Zorilla figura como secundaria en el cartel, nos encontramos ante un romance inconcluso que sostiene la historia misma del film. Ésta es una película de actores, en la que entre miserias y algunas esperanzas se dibuja un posible futuro matizado por algún ícono argentino. La vida de soledades donde parece que todo está perdido, la violencia y la noche, pero siempre el sueño de encontrar una vida mejor. (C.S.)
Underground (cine europeo)
Lo primero que llama la atención de la película de Emir Kusturica es la música, tal vez por el contraste que produce con la historia que se cuenta.
La música tiene matices gitanos que remontan a la noción de nomadismo. Sin embargo, el film relata 50 años de la guerra en Yugoslavia (1941-1991), tomando como principal estrategia la metáfora del sótano que da nombre a la película. La población yugoslava vive en ese sótano esperando que las guerras terminen, pero no saben que son engañados por un coterráneo que manipula desde el tiempo de sus relojes hasta la confianza que demuestran al permitir ser explotados trabajando en la fabricación de armas para ayudar al ejército del periodo comunista de Tito. Muchos de ellos terminan viendo la luz, que implica la muerte. La última escena de esta sátira al régimen muestra el reencuentro de todos los personajes en el más allá, en un pedazo de tierra que se desprende (Bosnia-Herzegovina) de esta historia sin fin. Como fondo, la misma música. (Mitsuko Shimose)
