La importancia de una película documental también radica en la capacidad de dar testimonio sobre el tema que aborda. En los últimos años, el audiovisual boliviano ha desarrollado un trabajo incansable por evidenciar y, de este modo —al menos de una forma etnográfica—, dejar constancia para el futuro sobre la existencia del otro. Por ejemplo, la construcción del Estado Plurinacional ha exigido, como una necesidad política, que el registro sobre los pueblos indígenas originarios sea constante y cada vez más profundo.
Es cierto que la mayor cantidad de minutos registrados de modo documental en los últimos seis años está relacionada con la cuestión política y social nacional, con el qué hacer de los bolivianos en los nuevos roles que hemos asumido en el periodo de transición que ha dejado a la República en el pasado.Sin embargo, el interés en las ciudades no ha estado lejos de buscar las nuevas identificaciones urbanas, lo que también genera otros núcleos sociales con necesidades propias e historias auténticas que están por encima de los caminos paralelos del devenir colectivo, o viceversa.
La máquina es la nueva producción boliviana que toma como eje temático el cómic y la historieta nacional. La película dirigida por Daniel Moreno y producida por María José Zuazo se nutre con las voces de los protagonistas del noveno arte en Bolivia. Aquí, Alejandro Salazar (Al-Azar, foto) y Álvaro Ruilova —entre otros— van dibujando de a poco, con trazo firme, un primer esbozo del desarrollo de la movida comiquera e historietista en nuestra geografía. La importancia del Festival Internacional de Historietas Viñetas con Altura y su dimensión en el de-sarrollo de la actividad de este género es evidenciada en el documental.
Lo trascendental en este momento es que con La máquina, el documental boliviano se abre a caminos que han sido descuidados, y prácticamente olvidados en la vida del Estado Plurinacional. En este caso, el escenario urbano como un espacio de reinvención social. (Claudio Sánchez)
* ‘La máquina’ será estrenada el 8 de noviembre.
Películas en pocas palabras
Argo (salas comerciales)
El 4 de noviembre de 1979, en la ciudad de Teherán (Irán) empezó una de las crisis diplomáticas más importantes entre la población civil iraní y el Gobierno de los Estados Unidos, representado por su embajada. Aquel día del final de los años 70, cuando la revolución iraní ya había triunfado, un grupo de ciudadanos rodearon el edificio de la embajada norteamericana y un grupo de militantes irrumpió en las instalaciones tomando como rehenes a quienes ahí se encontraban. Éste es el argumento de Argo, el regreso de Ben Affleck a la dirección. Con un discurso político de reivindicación de la acción de la CIA en aquellos años —baste decir que ellos, como parte del Gobierno estadounidense, promovieron cuanto golpe de Estado hubo en América Latina, e inventaron las guerras más sanguinarias— esta película presenta una acción de rescate, una operación en la que intervienen los aparatos de ficción del propio Hollywood para salvar a los súbditos norteamericanos de este “calvario”. (Claudio Sánchez)
Actividad paranormal 4 (s. comerciales)
En 2009 se estrenó la primera película de la saga. Un presupuesto de 15 mil dólares daba inicio a lo que hoy en día es una de las marcas más exitosas en el cine. La fórmula: una casa tranquila en un barrio tranquilo, sucesos extraños y protagonistas que deciden filmar lo que ocurre. El resultado: una estética documental que atrae por su frescura y que se consolidó en la apuesta segura del terror en pantalla grande. Después de la tercera entrega de la saga, precuela ambientada en la década de los 80, la historia vuelve a la actualidad en esta cuarta película: la protagonista es Alice, cuya familia comienza a experimentar sucesos paranormales que coinciden con la llegada de nuevos vecinos. La película no aporta nada nuevo a la historia ya existente y confirma la sospecha que emergía con su predecesora: la fórmula ya no funciona tan bien como en las dos primeras películas, el terror ya no es real y, a estas alturas, es imposible evadir la levedad narrativa. Si reducimos las metas del film al imperativo de “causar miedo”, el fracaso es aun mayor. (María Carmen Molina E.)
El otro lado de la cama (cine español)
Para que una parodia funcione, es necesario que dos textos sean confrontados y puestos lado a lado, para que tanto la crítica como el homenaje se tejan.
En el caso del musical de Emilio Martínez-Lázaro, El otro lado de la cama, el argumento se desenvuelve sin mayores reparos: Paula ha dejado a Pedro; lo ha dejado porque tiene una relación con Javier, amigo de Pedro; Pedro, a quien Javier quiere enganchar con una compañera de trabajo extremadamente conversadora, termina enredado con Sonia, la novia de Javier. La parodia del género musical en la película resulta modesta, pero funciona. La música no es verdaderamente lo que constituye a la historia, sino aquello que la explica desde la conciencia, canto y paso de sus personajes. La apuesta del director se concentra más en mirar aquello que caracteriza al espacio del musical, en tanto escenario. Luminosa, explosiva, pero muchas veces obvia, El otro lado de la cama divierte. (Carolina Castillo)
